93. Cuándo utilizar ISO alto en Fotografía de Paisaje

Hoy vemos cuándo utilizar ISO alto en Fotografía de Paisaje y Sandra nos acerca el trabajo del fotógrafo Arseniy Kotov.

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CUÁNDO UTILIZAR ISO ALTO EN FOTOGRAFÍA DE PAISAJE
Siempre decimos en este podcast que es recomendable disparar a ISOs bajos en fotografía de paisaje para conseguir imágenes con el menor ruido posible. Pero a veces, hay situaciones en las que es conveniente elevar esos valores de ISO para conseguir mejores resultados y hoy vamos a repasar alguno de esos escenarios.
El uso de un valor de ISO más bajo o más alto, siempre va unido a la velocidad de obturación de la escena. Veamos un ejemplo: supongamos que vamos a fotografiar un paisaje y queremos incluir el cielo con nubes en movimiento. Podemos decidir si queremos fotografiar con una velocidad alta para congelar ese movimiento y que las nubes salgan completamente nítidas o, por el contrario, elegir un valor de velocidad más bajo y que se pueda apreciar el movimiento de las nubes, añadiendo dinamismo a la fotografía.
Pero ¿qué pasa si necesitamos una velocidad alta pero no hay luz suficiente? Podemos aumentar la apertura del objetivo para que entre más luz pero reduciendo la profundidad de campo. Así que, dejando el valor de apertura fijo, solo podemos aumentar la velocidad, subiendo el valor de ISO. Y aquí es donde suele surgir el miedo a elevar el ISO.
En mi caso, la pregunta clave que me hago es: ¿Quiero tener la foto, aunque sea con un poco de ruido o renuncio a ella porque la quiero completamente limpia?
Hace unos años, subir el ISO era bastante arriesgado porque los sensores añadían valores de ruido muy altos pero hoy en día, todo ha cambiado y podemos hacer fotos a ISO 1600, 3200 o más, con resultados excelentes.
El uso de un ISO bajo o un valor más alto, siempre estará determinado por la escena que queramos fotografiar. Si aumentamos el ISO, aumentamos la velocidad y podemos usar un valor de apertura más pequeño como f/11 o f/16 para ampliar la profundidad de campo de una escena. Imagina un paisaje que fotografiamos a mano  (sin trípode) y con un valor de la velocidad muy bajo. Esa foto nos va a salir movida, pero si elevamos el ISO evitamos ese problema.
SITUACIONES EN LAS QUE NOS CONVIENE ELEVAR EL ISO

Cuando no usamos trípode y disparamos a mano.
Para congelar el movimiento del sujeto. Por ejemplo las nubes, el agua. Con una velocidad más alta, congelamos el agua de una cascada aumentando el drama, al contrario del uso de una velocidad más larga donde conseguiremos una imagen más tranquila y bucólica.
Usando longitudes focales muy largas.
En situaciones de mucho viento.
Fotografiando desde un vehículo en movimiento, como un coche o un barco o incluso desde una avioneta, helicóptero (si vas a Islandia y alquilas uno).
En situaciones de poca luz, por ejemplo días muy cubiertos, primeras y últimas horas del día.
En fotografía nocturna, donde vamos a necesitar elevar el ISO aunque eso suponga un aumento del ruido en el archivo final. Para fotografía nocturna, un ISO 1600 funciona como valor base, similar al ISO 100 en fotografía de paisaje diurna.
Fotografiando las auroras boreales.

MÉTODO SENCILLO PARA SABER CUÁL ES EL VALOR DE ISO ALTO RECOMENDABLE PARA NUESTRA CÁMARA
Este valor dependerá siempre del estándar de calidad que establecemos de forma personal. Es posible que una imagen con mi cámara a ISO 6400 a mí me parezca adecuada y a otra persona no. Vamos a ver cómo tener una referencia:

Ajusta tu cámara a un valor de apertura de f/8 o f/16 y una velocidad rápida.
Elige una composición y vete fotografiando desde el ISO más bajo hasta un valor de ISO alto, por ejemplo 6400.
Revisa tus imágenes en el programa de revelado y amplíalas al 100 %.

Ahora ya puedes decidir, el valor máximo al que vas a elevar el ISO de tu cámara para conseguir resultados aceptables,. según tus baremos de calidad.
CONCLUSIÓN
Debemos elegir el valor de ISO más adecuado a nuestras necesidades en función de la escena que vamos a fotografiar y los resultados que queremos conseguir. Por supuesto, siempre teniendo en cuenta los archivos resultantes que obtendremos con nuestro equipo fotográfico.
EJEMPLOS DE FOTOGRAFÍAS CON VALORES DE ISO ALTO
Ciclogéneis. Santander, 1DX, 300mm f/2.8L IS, 1/320 s, f/2.8, ISO 2000

Auroras boreales, Grand Teton National Park, Wyoming, USA, 1DX, 17-40mm f/4L (20mm), 5 s, f/4, ISO 6400

Sierra de Urbasa, Navarra, 1DX, 24-105mm f/4L IS (50mm), 1/13 s, f/8, ISO 3200

Otoño en Cantabria, 1DX, 24-105mm f/4L IS (47mm), 1/8 s, f/11, ISO 2000

Moose, Jasper, Canadá – 1D Mark IV, 300mm f/2.8L IS + 1.4x (420mm), 1/500 s, f/6.3, ISO 10000

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En este episodio Sandra nos presenta el trabajo del fotógrafo Arseniy Kotov.
Nombre: Arseniy Kotov
Página web: https://arseniykotov.com
Instagram: https://www.instagram.com/northern.friend
¿Por qué destaca?

Nacido Kúibyshev en la extinta Unión Soviética en 1988, hoy llamada Samara, Arseniy Kotov creció en un paisaje urbano formado por bloques de viviendas estandarizados e imponentes torres industriales. Lleva fotografiando paisajes urbanos desde su adolescencia.
En 2010 se gradúa como ingeniero aeroespacial. Nada más terminar la carrera se compra su primera cámara y comienza a trabajar en la fábrica de cohetes espaciales Soyuz. Como muchos, empieza probando diferentes disciplinas, aunque pronto descubre que lo que más le gusta son los paisajes urbanos. Así que todas las tardes iba a distintos rincones de Samara para hacer fotos desde distintos bloques residenciales de gran altura. Un 70% de Samara se construyó durante la época soviética y empezó a reconocer una cierta belleza en su estricto trazado y en sus formas arquitectónicas.
Siempre le había gustado viajar, pero durante unos años, tras dejar su trabajo en la fábrica en 2013, se le prohibió salir del país, así es que decide atravesar Rusia en autostop y luego Kazajstán, Kirguistán y Ucrania. Al principio, todas las ciudades rusas le parecen iguales. Pero cuantas más ciudades visita, más se fija en los diferentes edificios interesantes y en las particularidades de la planificación urbana.
A lo largo de los últimos años, Arseniy ha visitado todas las antiguas repúblicas soviéticas, donde ha fotografiado más de doscientas ciudades.
Desde 2016 su principal objetivo es documentar la lenta pero constante desaparición de construcciones pertenecientes a la arquitectura del modernismo soviético. Este periodo comenzó en 1955 cuando Nikita Khrushchev adoptó una resolución “sobre la eliminación de los excesos”, hasta 1991 cuando la Unión Soviética se disolvió. El modernismo soviético tuvo su máximo esplendor en los años 70 y 80.
Para ello, Arseniy decidió alquilar su piso y financiar con ello sus viajes. Al principio, cuando su fotografía no generaba suficientes ingresos para convertirse en un negocio rentable, Arseniy solía recortar los gastos al máximo: hacía autostop siempre que podía para cubrir distancias cortas y nunca se quedaba en hoteles si no en casas de locales.
Tiene proyectos fascinantes, como por ejemplo el de Vorkuta, la ciudad más fría de Europa. Vorkuta es una pequeña ciudad minera que en su día albergó uno de los mayores y más severos campos de trabajos forzados durante el mandato de Stalin. La ciudad, a menudo azotada por temperaturas de hasta -45ºC, está sufriendo uno de los descensos de población más importante de toda Rusia. Durante su estancia, Arseniy recorrió varios complejos de viviendas construidos para los trabajadores, muchos de los cuales fueron abandonados al cerrar las minas.
Tiene predilección por hacer fotos en invierno y durante la hora azul, justo antes del amanecer y después del atardecer. La idea detrás de esta decisión artística es no centrarse únicamente en los edificios, sino también en sus habitantes, representados por el cálido resplandor que emana de los apartamentos, prueba de que la vida continúa detrás de todas esas fachadas idénticas.
Además, le gusta añadir toques poéticos a sus imágenes: ya sean pájaros volando a través de las nubes de humo oscuro que salen de las fábricas, un tigre gigante de juguete posado en un montón de nieve, o el brillo de la luna llena reflejado en las ventanas de un bloque de viviendas.
Utiliza una cámara Sony a7r con un adaptador m39 para utilizar objetivos soviéticos y un pequeño trípode. Normalmente lleva estos tres objetivos: Orion-15 28mm, Industar-61 55mm, Yupiter-11 135mm. Y gracias a ellos consigue que sus imágenes tengan un estilo vintage que transporta al espectador al pasado haciendo un paralelismo con la época de esplendor que representan muchos de sus sujetos.
Sus fotos se han exhibido en varias exposiciones internacionales y se han publicado en dos libros: Soviet Cities (2020) y Soviet Seasons (2021).

Sobre el primero, Arseniy cuenta que “A través de mis fotografías quería mostrar edificios y construcciones destacados, mostrar dónde vivía la gente soviética y cómo eran las ciudades soviéticas. La mayoría de los edificios de las ciudades soviéticas se fabricaban según diseños estándar. Pero a medida que visitaba más ciudades, empecé a notar edificios y características únicas de la planificación urbana”.
Y sobre el segundo, explica que “En este libro he querido mostrar lo hermosas y diversas que son las ciudades y la naturaleza de esta vasta región en distintas épocas del año. He viajado mucho por Rusia y los países vecinos, donde he captado el paisaje de las ciudades postsoviéticas y he sido testigo de los cambios estacionales”.

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92. Qué es un filtro polarizador y cómo usarlo en Fotografía de Paisaje

Hoy vemos qué es un filtro polarizador y cómo usarlo en Fotografía de Paisaje y Sandra nos acerca el trabajo del fotógrafo Keith Ladzinski.

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QUÉ ES UN FILTRO POLARIZADOR Y CÓMO USARLO EN FOTOGRAFÍA DE PAISAJE

Un filtro polarizador es una de las herramientas esenciales para Fotografía de Paisaje. Es el primer filtro que recomiendo para paisajes porque nos permite mejorar las imágenes al añadir intensidad y contraste.
Este filtro fotográfico se coloca frente al objetivo para reducir reflejos, reducir la neblina atmosférica y aumentar la saturación de los colores.

Filtro polarizador circular CPL

Normalmente son de rosca aunque también pueden ser de forma cuadrada, con el inconveniente de que no se recomienda girarlos al colocarlos en el portafiltros (en el caso de que tengamos puesto un filtro degradado).

Cómo funcionan los filtros polarizadores

Dependiendo del clima, la atmósfera puede variar en cuanto a sus características y composición, aunque mayoritariamente está formada por vapor de agua. Este vapor de agua provoca la formación de neblina que disminuye la visibilidad, sobre todo a largas distancias y este efecto se produce de forma mucho más evidente cuando estamos cerca del agua, por ejemplo en la costa, cerca de un embalse, etc. Para eliminar esta neblina es recomendable utilizar un filtro polarizador.
El uso de un filtro polarizador añade más saturación de los colores, reduce los reflejos del agua, cristal, hojas y otras superficies no metálicas. También nos ayuda a potenciar el cielo azul de tus imágenes.
El efecto de polarización puede variar dependiendo de la posición del sol, por lo que es importante tener en cuenta el momento del día y la época del año en la que estemos fotografiando.

POLARIZADOR EN FOTOGRAFÍA DE PAISAJE

La luz del sol rebota en los objetos que vamos a fotografiar y puede producir brillos o reflejos. Para evitarlos, colocamos el filtro polarizador en el frontal del objetivo y debemos girarlo para conseguir el efecto deseado. El filtro es capaz de eliminar la luz reflejada en una escena, mejorando el resultado final de las imágenes al aumentar el contraste y la saturación de los colores.
También puede ayudarnos a eliminar la neblina a la hora de fotografiar escenas con objetos lejanos.
El efecto de saturación de un filtro polarizador y la eliminación de la neblina se puede simular en el postprocesado de los archivos, pero no podemos replicar la reducción de los brillos y reflejos.

MÁXIMA POLARIZACIÓN

Conseguiremos el máximo nivel de polarización situándonos a 90 grados del sol.
Un truco simple es formar una pistola con los dedos índice y pulgar, luego apuntar con el dedo índice directamente hacia el sol. Gira el pulgar en el sentido de las agujas del reloj o en el sentido contrario a las agujas del reloj (mientras mantienes el dedo índice dirigido al sol). Las partes del cielo hacia las que apunta el pulgar tendrán el grado máximo de polarización, ya que están en ángulo recto con el sol. Esto significa que cuando el sol está directamente sobre nuestras cabezas cerca del cénit, el cielo se polarizará horizontalmente, haciendo que el cielo parezca más o menos uniforme en todas las direcciones.
Por otro lado, cuando el sol está más cerca del horizonte, al amanecer y al atardecer, el cielo se polarizará principalmente en franjas verticales, sin llegar a conseguir el efecto en todo el cielo de manera uniforme. Esto puede presentar problemas al fotografiar paisajes con un objetivo gran angular, ya que las áreas más polarizadas del cielo las vamos a ver en el encuadre.
Imagina una escena en la que tenemos el sol saliendo por la zona derecha de la composición. El grado máximo de polarización lo vamos a tener a la izquierda, aplicando la regla de los 90 grados. Obviamente vamos a tener la zona del cielo cercana al sol más clara que la zona opuesta, mucho más contrastada y con el cielo más azul. Una posible solución sería retirar el polarizador o cambiar de focal y usar un teleobjetivo, donde ese efecto será mucho menos acusado porque cubriremos un campo de visión más reducido.
Atención al uso del polarizador en las panorámicas porque al coser las diferentes imágenes polarizadas el resultado será un desastre.
Otro problema habitual puede ser el cielo excesivamente polarizado, muy oscuro e irreal. Para solucionarlo, simplemente hay que girar el filtro hasta suavizar sus efectos.

REDUCCIÓN DE NEBLINA Y AUMENTO DEL CONTRASTE

Reducción del “haze» o neblina. A veces podemos solucionarlo en el revelado, pero yo prefiero llevarme a Lightroom el archivo lo mejor posible desde el campo.

MEJORA DEL COLOR

Sobre todo en épocas como el otoño, podemos mejorar mucho las imágenes tomadas en el interior del bosque. Evitamos brillos de las hojas y aumentamos la saturación de la gama tonal.

COSAS A TENER EN CUENTA

Filtro polarizador reduce la luz. Depende de cada marca. Normalmente, suelen reducir desde 1 1/3 de paso, hasta 2 pasos.
Debemos prestar atención al filtro y girarlo a nuestro gusto al mover la cámara y cambiar el encuadre.
El mal uso del polarizador puede arruinar el cielo de nuestra composición y en muchos casos, no nos daremos cuenta hasta allegar a casa.
Dependiendo del modelo y marca, podemos tener problemas de viñeteo (oscurecimiento de las esquinas).
Si fotografías el arco iris, presta atención porque puedes reforzarlo o justo conseguir el efecto contrario.

EJEMPLOS DE USO DEL POLARIZADOR

 

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En este episodio Sandra nos presenta el trabajo del fotógrafo Keith Ladzinski.
Nombre: Keith Ladzinski
Página web: https://www.ladzinski.com
Instagram: https://www.instagram.com/ladzinski
Otras redes: https://twitter.com/keithladzinski, https://www.facebook.com/keith.ladzinski
¿Por qué destaca?

Keith Ladzinski es un fotógrafo multidisciplinar cuyos principales intereses son la historia natural, la conservación (en especial el cambio climático) y los deportes extremos. Keith también es cineasta y junto a sus socios de productora (3 Strings Productions) han producido más de 20 películas en todo el mundo.
Nacido en Nueva York (EE. UU.) y criado en Colorado (EE. UU.), su afición por la fotografía surgió tras comprar una cámara destartalada en una casa de empeños. Keith descubrió la fotografía en los 90 a través de su hermano y su afición compartida por el monopatín. Tras un día fotografiando a su hermano practicando acrobacias con el monopatín, se enganchó. A partir de ahí, empezó a formarse por su cuenta para perfeccionar su técnica.
No obstante, siempre lo consideró una afición y no fue hasta que perdió su trabajo como ingeniero de software que planteó dedicarse a la fotografía a tiempo completo. Para ello, empezó utilizando las técnicas especiales de iluminación que había aprendido practicando fotografía deportiva (primero monopatín, luego escalada gracias a los paisajes de Colorado) con la idea de fotografiar historias y aventuras al aire libre.
Uno de sus grandes éxitos ha sido convertirse en fotógrafo de National Geographic. Los encargos que ha realizado para esta publicación le han llevado a algunos de los lugares más remotos y vírgenes del mundo: una expedición de 45 días a la Tierra de la Reina Maude de la Antártida, una expedición de escalada en torres de roca kárstica en el sur de China y un reportaje sobre el desfiladero de Verdon en Francia.
Sobre su experiencia como colaborador de National Geographic, Keith insiste en cada entrevista que es un honor y que la experiencia le está enseñando mucho sobre él mismo. Pero lo más curioso es que el espíritu de la revista se basa en la autenticidad, por lo que no se permite la manipulación digital. Así es que en cada proyecto Keith tiene que enviar cada RAW que dispara. Por contrato no se puede borrar ni editar nada, así que todo el proceso es transparente. A una media de entre 70.000 y 90.000 imágenes por viaje, cuesta hacerse una idea del trabajo de los editores que lo revisan todo.
En estos últimos años ha centrado una gran parte de su tiempo y esfuerzo en la fotografía de conservación, un tema que le toca muy de cerca porque habiéndose criado en Colorado, siempre ha estado en contacto con la montaña y la naturaleza.
Su primer reportaje sobre el cambio climático para National Geographic fue en 2015, cuando le encargaron un proyecto sobre los parques nacionales de Estados Unidos. Keith confiesa: “Me abrió los ojos porque, hasta ese momento, todo el trabajo que había realizado en el ámbito de la conservación y el cambio climático estaba en la periferia y nunca había hecho un reportaje específico sobre estos temas. Así que cuando recibí este reportaje fue hermoso y desgarrador en muchos sentidos”.
Desde hace un par de años ha empezado a interesarse por otro fenómeno fascinante: las tormentas. Uno de sus objetivos ahora es convertirse en cazador de tormentas. Y para ello cuenta con la ayuda de dos grandes en la materia: los australianos Nick Moir (Sydney Morning Herald) y Krystle Wright (National Geographic). Los resultados son absolutamente espectaculares y dejan a cualquiera sin palabras.

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91. Decisiones previas antes de fotografiar una escena

Hoy hablamos de las decisiones previas antes de fotografiar una escena y Sandra nos presenta el trabajo del fotógrafo Alexey Titarenko.

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DECISIONES PREVIAS ANTES DE FOTOGRAFIAR UNA ESCENA
En el Episodio 49 explicábamos nuestro flujo de trabajo de forma global pero en esta ocasión, nos vamos a centrar en ese momento previo a pulsar el click del disparador.
APROXIMACIÓN A LA ESCENA. ALGUNOS CONSEJOS

Intenta llegar con antelación a las localizaciones. Es mejor esperar a que llegue la luz que verla de camino mientras te acercas al punto elegido.
Recorre la localización cámara en mano.
Elección de la focal adecuada. Debes analizar la escena y decidir en consecuencia. Puede ser buena idea educar el ojo revisando fotos con datos EXIF para aprender a elegir la focal más conveniente. Tanto en Flickr como en 500px las imágenes suelen mostrar los datos de la toma.
Aprende a colocar y ajustar el trípode correctamente.

ENLACES DE INTERÉS

DH 049 Cómo mejorar el flujo de trabajo en Fotografía de Paisaje.
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En este episodio Sandra nos presenta el trabajo del fotógrafo Alexey Titarenko.
Nombre: Alexey Titarenko
Página web: http://www.alexeytitarenko.com
Instagram: https://www.instagram.com/alexey_titarenko_photo
¿Por qué destaca?

Alexey Titarenko es un fotografo documental ruso. Nace en Leningrado, hoy San Petersburgo en 1962. Comenzó a tomar fotografías en 1971, a la edad de nueve años, y se graduó de la Universidad Pública de Leningrado de Profesiones relacionadas con la sociedad en 1978 con un título en Fotoperiodismo. Actualmente vive y trabaja en Nueva York (EE. UU.).
Su primer éxito profesional le llega con su serie de collages y fotomontajes titulada “Nomenklatura of Signs” (“Nomeklatura de los Signos”). Es una crítica mordaz de la burocracia soviética que se basa en la estética de Kazimir Malevich, Aleksandr Rodchenko y otros artistas de la vanguardia rusa de principios del siglo XX. Alexey tuvo que realizarla trabajando en secreto. La idea tras esta serie es una traducción visual de la vida soviética expresando su absurdo, y exponiendo el régimen comunista como un sistema opresivo que convertía a los ciudadanos en meros signos.
Alexey saltó a la fama internacional a principios de la década de 1990 por “City of Shadows” (“Ciudad de las Sombras”), una serie de fotografías de su ciudad natal realizadas tras la caída de la Unión Soviética e inspiradas en la música de Dmitri Shostakovich y las novelas de Fiódor Dostoievski. La aplicación por parte de Titarenko de largas exposiciones, movimientos intencionados de la cámara y técnicas expertas de grabado a la fotografía de calle lleva a reflexionar sobre un paisaje urbano todavía impregnado de una historia de sufrimiento.
En la década siguiente, su búsqueda de la ciudad de su juventud le lleva a lugares tan lejanos como Venecia (a San Petersburgo se la conoce como «la Venecia del Norte» por sus canales y a la influencia de los arquitectos europeos que ayudaron a construir la ciudad) y La Habana, cuyas calles y edificios siguen congelados en el tiempo e irremediablemente ligados a la era soviética.
En los últimos años, Titarenko ha dirigido su cámara y su mirada hacia una ciudad muy diferente: Nueva York.

En esta obra, Alexey traslada su preocupación por el tiempo y la historia a una ciudad relativamente joven, conocida por su ritmo implacable y vertiginoso.
Las largas exposiciones y los tonos selectivos ponen de relieve el modo en que la arquitectura no sólo da forma a la vida de los habitantes de una ciudad, sino que también encarna su historia.
Incluso en Nueva York, el tiempo se detiene, aunque solo sea por un momento: en las desaparecidas alarmas de incendios que siguen posando en las concurridas esquinas de las calles; en las fachadas de principios de siglo adornadas con una polivalente y moderna señalización; y en edificios como la fábrica de azúcar Domino, un poderoso ejemplo del rico pasado de la ciudad que se encuentra con su implacable presente.

En los últimos años, Titarenko ha dirigido su cámara y su mirada hacia una ciudad muy diferente: Nueva York.
En esta obra, Alexey traslada su preocupación por el tiempo y la historia a una ciudad relativamente joven, conocida por su ritmo implacable y vertiginoso.
Las largas exposiciones y los tonos selectivos ponen de relieve el modo en que la arquitectura no sólo da forma a la vida de los habitantes de una ciudad, sino que también encarna su historia.
Incluso en Nueva York, el tiempo se detiene, aunque solo sea por un momento: en las desaparecidas alarmas de incendios que siguen posando en las concurridas esquinas de las calles; en las fachadas de principios de siglo adornadas con una polivalente y moderna señalización; y en edificios como la fábrica de azúcar Domino, un poderoso ejemplo del rico pasado de la ciudad que se encuentra con su implacable presente.
Alexey crea cada impresión a mano en su cuarto oscuro, produciendo una rica y sutil gama de tonos que hace que cada pieza sea única. Esta impresión magistral es especialmente apropiada para reflejar el interés que tiene desde hace tiempo por el agua y su relación con la ciudad. Gracias a su estilo tan particular consigue resaltar la textura y la calidad de los reflejos de la nieve, la lluvia, las nubes y los puertos y vías fluviales urbanos, e impregna cada imagen de humedad y luz.
Para Alexey la ciudad no sólo moldea e influye en la mentalidad y el punto de vista de cada individuo, sino que también es una fuerza creativa, el escenario de narraciones en las que cada uno de nosotros se convierte en su propio personaje. Como escribe en su libro “The City is a Novel” (2015), «Las emociones universales que se han perpetuado durante el último siglo constituyen los temas principales de mis fotografías, hasta el punto de transformar las más documentales en elementos de una novela – no un reportaje, sino una novela, cuyo tema central es el alma humana».
Sus imágenes reflejan su intento de alcanzar una comprensión más profunda de la ciudad a través de sus consecuencias históricas. No debe sorprender, por tanto, que la visión de Alexey Titarenko de Nueva York recuerde a la obra de Alvin Langdon Coburn y Alfred Stieglitz, quienes se esforzaron por plasmar el dinamismo de la ciudad y sus gentes en fotografías de principios del siglo XX. A medida que la relación de Alexey con Nueva York crece y cambia, también lo hacen las fotografías que crea. Es la esencia de su método de trabajo.

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90. Consejos para mejorar tus Fotografías de Paisaje en verano

Repasamos algunos consejos para mejorar tus Fotografías de Paisaje en verano y Sandra nos presenta el trabajo de Israel Gutier.

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CONSEJOS PARA MEJORAR TUS FOTOGRAFÍAS DE PAISAJE EN VERANO

Partimos de unas condiciones muy concretas para los días de verano. Generalmente son jornadas muy soleadas y con luces intensas que provocan sombras muy duras y con poco detalle, además de cielos limpios con pocas nubes.
Amanece muy pronto y anochece muy tarde. Eso significa que debemos gestionar el tiempo de forma diferente a como lo hacemos en la época de invierno y otoño en las que los días son mucho más cortos.
Dedica las horas centrales del día a planificar las sesiones de amanecer y atardecer y a explorar nuevos rincones.
Aprovecha el mayor número de horas de luz para explorar.
Usa un filtro polarizador, pero cuidado si disparas con un objetivo gran angular. Ya hemos hablado de filtros en varias ocasiones: Episodio 3 Filtros para paisajes, primera parte, Episodio 4 Filtros para paisaje, segunda parte, Episodio 38 Filtros para paisajes de costa. Con el polarizador podemos eliminar gran parte de la neblina de los días de verano, evitar reflejos y saturación de colores.
Debido a las luces mucho más brillantes desde primeras horas del día, vigila muy bien la exposición para no sobreexponer tus imágenes. Normalmente, a las 10 de la mañana ya tendremos el sol sobre nuestras cabezas dando guerra. En situaciones así suelo dejar las fotos un poco más oscuras de lo habitual para asegurarme de no quemar las altas luces, aunque lo más efectivo es revisar el histograma para no tener problemas.
Usa filtros para equilibrar la luz. Reduce la luminosidad en el cielo para igualarla con el suelo que normalmente será más oscuro. ¿Cómo hacerlo? Con el uso de filtros degradados de densidad neutra, llamados GND.
Busca campos con colores vibrantes, por ejemplo los campos de lavanda (Brihuega), campos de girasoles, etc.
En días de luz muy intensa y sombras muy duras, no es recomendable fotografiar cascadas o ríos porque vas a encontrar muchos reflejos y brillos difíciles de controlar.
Intenta usar la mejor luz. Evita el sol de frente, mejor tenerlo a la espalda y busca luces laterales.
En la temporada de verano puedes probar a centrarte en detalles, por ejemplo, buscando flores silvestres o imágenes más abstractas. Cierra el zoom de tu objetivos y busca otros mundos alejados de los grandes paisajes.
Aprovecha al máximo las primeras y últimas horas del día, pero incluso te recomiendo que estés en la localización que hayas elegido, antes de que salga el sol y después de que se haya ocultado y aprovechar al máximo la luz crepuscular.
Si llegas pronto por la mañana, es posible que encuentras nieblas para enriquecer tus composiciones. En el episodio 22 hablamos sobre cómo fotografiar paisajes con niebla.
Ya que hablamos de niebla, si tienes días cubiertos o con nubes, aprovéchalos al máximo porque pueden ofrecer muchas posibilidades fotográficas.
Prueba a fotografiar siluetas.
Y por supuesto, destacar que el verano es la estación de la fotografía nocturna, sin ninguna duda.

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FOTÓGRAFO DESTACADO
En este episodio Sandra nos presenta el trabajo del fotógrafo Israel Gutier.
Nombre: Israel Gutier
Página web: http://israelgutier.com
Instagram: https://www.instagram.com/israelgutierpics
Otras redes: https://www.facebook.com/Israel-GutierPics-2243327129230708, https://www.flickr.com/photos/144439017@N05
¿Por qué destaca?

Israel Gutier (1978) es un fotógrafo de viajes español, aunque de vez en cuando también realiza trabajos publicitarios y de producto. Es fundador de la revista Travelphoto Magazine.
Estudió Derecho y estuvo ejerciendo 9 años como abogado. En 2004 decide irse a China con tres amigos y es ahí donde descubre su pasión por viajar y la fotografía.
Hace 8 años decide dejarlo todo: una carrera profesional que no le satisfacía, unos horarios y jornadas de trabajo interminables y una rutina que lo estaba matando de aburrimiento. Con una mochila, su cámara y un billete de ida a Delhi, se fue a viajar en solitario por Japón, Indonesia, Malasia, Tailandia, Camboya, Laos, Vietnam, Birmania, India y Nepal, fotografiando la vida y “quehaceres” en aquellas tierras.
Ha recorrido una gran parte del planeta aunque confiesa que su continente favorito es Asia: “Me encanta viajar por Asia, me siento muy cómodo con su gente, su comida, sus medios de transporte, sus buenos y malos hospedajes, su modernidad y tradición y su manera de ver la vida. A la mayoría les gusta ser retratados o no te ponen pegas a la hora de fotografiarles en su día a día, una gran y sincera sonrisa ayuda mucho”.
Israel es de esos fotógrafos de viaje a los que no les gusta preparar sus fotos. Prefiere andar, observar, sentarse en un lugar y esperar que pase algo. Seguir andando y observando, hablar con la gente aunque sea por signos y en el momento que ve que algo me gusta, disparar. Como mucho, cuando encuentra un fondo interesante para una fotografía y se queda esperando a que ocurra algo especial, aunque no siempre ocurra…
Dentro de la fotografía de viajes, lo que más le gusta capturar es a la gente y las escenas urbanas. Dicho de otro modo, la fotografía de calle es su disciplina favorita a pesar de ser muy difícil y poco valorada en general.
En este sentido, a Israel le gusta comunicar experiencias, transmitir emociones. Así es que no se centra únicamente en retratos callejeros. En realidad, la fotografía de calle es muy impredecible por lo todo va a depender de la situación, del protagonista, de lo que le rodee, y de lo que quiera contar.
Una de las características principales de su fotografía es la cercanía. Resulta casi imposible no tener la sensación de estar ahí, con él, presenciando esa escena cotidiana. Los colores, el ruido, los olores, el jaleo de las calles se pueden casi rozar con la yema de los dedos al ver cualquiera de sus fotos.
Lo más sorprendente es su capacidad para pasar desapercibido y cómo lo consigue una y otra vez. Es fascinante porque cualquiera que haya viajado a un país asiático sabe que por muchas multitudes que haya, los caucásicos somos como un semáforo en medio del desierto: por mucho que queramos disimular, es imposible no llamar la atención de los locales y de sus miradas curiosas y descaradas.

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89. Desmontando algunos mitos sobre Fotografia de Paisaje

Hoy desmontamos algunos mitos sobre Fotografía de Paisaje y Sandra nos acerca el trabajo de Stefan Forster.

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DESMONTANDO ALGUNOS MITOS SOBRE FOTOGRAFÍA DE PAISAJE
Seguro que en más de una ocasión has escuchado o leído alguno de estos mitos que se repiten habitualmente. En este episodio, intentamos desmontarlos.

Tienes que disparar en modo Manual para conseguir buenas fotos.
Conseguirás los mejores resultados si fotografías durante la hora dorada.
Debes usar trípode.
Cumple siempre la regla de los tercios en tus composiciones.
No uses la técnica de HDR porque conseguirás resultados poco naturales.
Con mala luz, es mejor no salir a hacer fotos.
Es necesario viajar a lugares emblemáticos para conseguir buenas fotografías de paisaje.
En Fotografía de Paisaje siempre debes disparar con aperturas cerradas de f/8 en adelante.
La escena siempre tiene que estar enfocada desde el primer plano hasta el fondo.
Si no tienes un objetivo gran angular, no puedes hacer buenas fotografías de paisaje.

ENLACES DE INTERÉS

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DH 034 Cómo usar teleobjetivos en Fotografía de Paisaje.
DH 004 Filtros para Paisajes, segunda parte. En este episodio Sandra nos habla del trabajo de Francesco Gola.
DH 031 Qué aplicaciones usamos en Fotografía de Paisaje. Sandra nos presenta el trabajo de Albert Dros.
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En este episodio Sandra nos presenta el trabajo del fotógrafo Stefan Forster.
Nombre: Stefan Forster
Página web: https://www.stefanforster.com
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Otras redes: https://www.facebook.com/StefanForsterPhotography, https://www.youtube.com/channel/UCv5xTD1RDY4RzMrO6kgAiBg, https://vimeo.com/stefanforster
¿Por qué destaca?

Stefan Forster (1986) es un fotógrafo profesional de paisajes afincado en Suiza. Empezó a hacer fotos con 15 años, pero su gran proeza la realizó con 18 años cuando viajó en solitario durante 13 días por las altas tierras del sur (Highlands) en Islandia con una mochila de 36 kgs a cuestas.
Esta experiencia cambió su vida y con 21 empezó a vivir de la fotografía. Hace 10 años fundó photocube.ch, una de las mayores escuelas de fotografía y operadores de viajes fotográficos en Suiza.
Su amor por Islandia perdura hoy en día. Ha viajado a la isla innumerables veces desde su primera visita. Para poder acceder a algunos de los lugares fotográficos más remotos y deshabitados de Islandia, Stefan se ha hecho construir un súper 4×4 camperizado. Ahora lo utiliza para todos sus viajes de exploración logrando llegar a localizaciones donde sólo llegan unos pocos.
Un equipo de rodaje le acompañó a Islandia en 2015, y la película resultante, «Light Hunter», se proyectó recientemente en la televisión suiza. Su primer gran libro de fotos, «Chasing Light», se publicó en 2017. Mientras que el segundo, “Nordic Islands”, salió en 2020 y es el resultado de más de 80 viajes por Groenlandia, Islandia, Noruega y las Islas Feroe.
Stefan pasa entre 6 y 8 meses al año viajando alrededor del mundo, Australia, Tibet, Indonesia, Groenlandia, Islandia, Noruega, la Antártida, Bolivia, EE. UU., Alaska, Canadá,… Ha remado en kayak por la costa occidental de Groenlandia, acampado en los bosques de Alaska y Canadá, escalado volcanes sin permiso, esperado durante meses para ver una aurora y navegado en piragua en la oscuridad entre los caimanes de los pantanos de Luisiana (EE. UU.).
No obstante y aunque las planifica meticulosamente, estas aventuras no están exentas de riesgo. Hace un par de años se encontraba en los Andes chilenos, lejos de la civilización, y le sorprendió una ventisca que no estaba prevista y que llegó con casi 50 cm de nieve y un repentino descenso de la temperatura hasta -23°C. Gracias a la suerte y a un gran esfuerzo, consiguió escapar de la ventisca huyendo a una base del ejército chileno, donde pudo sobrevivir al mal tiempo. Forster siempre lleva consigo un teléfono por satélite para poder recibir ayuda.
Gran parte de su éxito como fotógrafo es la planificación y la persistencia: suele visitar una localización muchas veces antes de encontrar ese momento en el que la luz es lo suficientemente especial como para hacer la foto. Cuando organiza sus propias aventuras, lo planifica todo. Antes de decidir viajar a un destino, comprueba las cámaras web para hacerse una idea del terreno. Y la primera vez que va, rara vez hace fotos. En su lugar se pasa el tiempo explorando, buscando localizaciones mágicas.
Para Stefan, perseguir la luz (o como se dice en inglés chasing the light, que es el título de su primer libro) significa volver una y otra vez a un lugar hasta que la luz sea la adecuada o, literalmente, perseguirla, por ejemplo, siguiendo un agujero en las nubes. Para eso hay que ser capaz de moverse y por eso no le gustan los trípodes.
Se considera un “cazador de luces” y pasa mucho tiempo persiguiendo fenómenos meteorológicos y lumínicos extraños, como nubes lenticulares en una luz o formación muy específica. Según Stefan, todo gira en torno a los patrones, en la tierra y en el clima.
Stefan Forster es mucho más que un fotógrafo de viajes, es un explorador y un aventurero que no le tiene miedo a los elementos, a los entornos difíciles, ni a los horarios agotadores. Y sus fotos son buena prueba de ello.

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88. Desventajas de planificar demasiado nuestras salidas fotográficas

Hoy planteamos algunas desventajas de planificar demasiado nuestras salidas fotográficas y Sandra nos acerca el trabajo de Andrea Frazzetta.

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DESVENTAJAS DE PLANIFICAR DEMASIADO NUESTRAS SALIDAS FOTOGRÁFICAS
Cuando hablamos sobre fotografía, generalmente damos mucha importancia a tareas de investigación y planificación para maximizar las posibilidades de éxito y para asegurarnos de tener una sesión con las mejores imágenes posibles.
Contamos con toda la tecnología para poder planificar de manera muy completa cualquier sesión fotográfica.
Pero la pregunta es: toda esta información disponible, ¿le ha quitado frescura a la fotografía de paisaje? ¿Puede suponer una cierta pérdida o merma de nuestra creatividad?
En muchos casos, creo que se ha perdido la buena costumbre de recorrer y visitar zonas nuevas. Esa tarea de reconocimiento de nuevos lugares.
Lo bueno de este enfoque un poco chapado a la antigua (dejando de lado todas las opciones de planificación que tenemos disponibles) suponer llegar a un lugar con pocas ideas preconcebidas y con tu cerebro fresco ante composiciones y puntos de vista de esa localización.
Llegamos a un lugar con la mente completamente abierta y sin haber visto fotos del lugar con anterioridad y eso nos obliga a pensar más las fotos. Tenemos que ser más espontáneos para poder resolver los retos que se plantean ante un lugar completamente nuevo.
Planificar demasiado una sesión puede matar la espontaneidad y la creatividad
En lugar de trabajar la escena con las condiciones que nos encontramos, visitamos lugares conocidos buscando una y otra vez lo que hemos visualizado previamente.
Si optamos por afrontar la visita a esos lugares con menos planificación, podemos conseguir un resultado mucho más original y menos visto.
En muchos casos, el acceso a tantas imágenes a través de las RRSS puede fomentar en exceso la figura del coleccionista” de imágenes. Pero ojo, porque si eso es lo que buscamos, no hay nada que objetar.
Siempre digo que me gusta ver fotos en RRSS porque en muchos casos me empujan a visitar las localizaciones, no solo por los iconos conocidos, sino para visitar también la zona y ver qué más puedo encontrar allí.
La originalidad es difícil de lograr y las localizaciones «nuevas» son casi (si no completamente) imposibles de encontrar. No digo que no se deban visitar los lugares icónicos muy conocidos, solo planteo la posibilidad de hacerlo de una manera menos planificada, dejándose llevar de forma más libre: a un hora del día menos habitual, en una época del año menos propicia a las habituales, con una marea diferente. Puede que descubras unas imágenes con mucho potencial.

Península de Coromandel, Isla Norte, Nueva Zelanda. ©Sandra Vallaure

Cola del dragón, playa de Barrika. ©Rafa Irusta
ENLACES DE INTERÉS

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Web del fotógrafo Ignacio Izquierdo.
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En este episodio Sandra nos presenta el trabajo del fotógrafo Andrea Frazzetta.
Nombre: Andrea Frazzetta
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Otras redes: https://www.facebook.com/andrea.frazzetta.photographer
¿Por qué destaca?

Andrea Frazzetta (1977) es un fotógrafo documental italiano que colabora habitualmente con las revistas The New York Times Magazine y National Geographic Travel. Ese dato es suficiente para valorar la calidad de su trabajo.
Aunque nació en Lecce, al sur del país, creció en Milán donde estudió arte y arquitectura. Una semana después de licenciarse, visitó la selva amazónica para fotografiar una pequeña ONG y desde ese momento, decidió dedicarse completamente a la fotografía usándola como medio para descubrir y contar historias.
Empezó a viajar y trabajó en varios reportajes fotográficos, principalmente en África, Sudamérica y la zona del Mediterráneo. A lo largo de su carrera, ha trabajado en proyectos personales y encargos en más de 60 países de todo el mundo.
A través de su cámara intenta contar una historia de algo que está ocurriendo en algún lugar del mundo. Al contrario que muchos compañeros de profesión, Andrea tiene una asombrosa capacidad para documentar una situación muchas veces terrible sin caer en el dramatismo ni la lágrima fácil. Su objetivo es que sus protagonistas mantengan en todo momento la dignidad, al mismo tiempo que sensibiliza al espectador mostrándole una realidad indiscutible.
Andrea incluye en su página web dos tipos de proyectos: los que hace por encargo (Commissioned) y los personales (Stories) que posteriormente intenta también vender.

“A living in the ruins” (“Viviendo entre ruinas”). Estamos en una ciudad perdida a orillas del Golfo de Bengala, en Bangladesh. En 2007, y de nuevo en 2009, los ciclones azotaron la costa al sur de Kuakata, destruyendo casas y ahogando pueblos enteros y manglares. Aquí los lugareños se las arreglan rebuscando de pie, a veces con el agua del mar hasta la cintura, para encontrar ladrillos, sacarlos del lodo y llevarlos al lado de la carretera para venderlos. Esperan hasta la marea baja, cuando el retroceso de las olas deja al descubierto los escombros. Una vez que han llevado los ladrillos al terraplén, los rompen en trozos pequeños, del tamaño de una castaña. Estos fragmentos se utilizan en los cimientos de las casas del nuevo pueblo, a un kilómetro de la costa.
“The trillion-dollar nowhere” (“El billón de dólares en ninguna parte”). El Polo Euroasiático de Inaccesibilidad es un nombre que despierta la curiosidad de cualquiera. Es el punto más alejado de un mar u océano del planeta. Situado en China, justo al este de la frontera con Kazajstán, el polo se encuentra a 1.550 millas de cualquier puerto o costas. A unos 130 kilómetros del Polo de Inaccesibilidad, justo al otro lado de la frontera con Kazajstán, se encuentra un pueblo llamado Khorgos. Ha pasado la mayor parte de su existencia en la oscura periferia de los asuntos internacionales, y su población oficial es de apenas 908 habitantes. Pero en los últimos años se ha convertido en un importante nodo de la economía mundial. Forma parte de una iniciativa conocida informalmente como la nueva Ruta de la Seda, un esfuerzo liderado por China para construir una vasta red cefalopódica de carreteras, ferrocarriles y rutas marítimas de ultramar, con el apoyo de cientos de nuevas plantas, oleoductos y ciudades empresariales en decenas de países.
“Danakil”. Situada en la parte septentrional del Triángulo de Afar, cuyo nombre proviene del pueblo nómada que lo habita, la vasta depresión de Danakil es el lugar donde se unen varias placas tectónicas en constante expansión, cerca de la zona fronteriza entre Etiopía, Eritrea y Yibuti. El retroceso del mar, evaporado hace veinte mil años, es la principal causa de la peculiaridad del Danakil: convertirse en una extensión de rocas evaporíticas que da lugar a la Gran Llanura de la Sal, un desierto que se extiende a lo largo de unos 600 kilómetros. Es uno de los lugares más vulnerables del mundo en el que el fuego está justo debajo de tus pies, a tan sólo 5 kilómetros de distancia. En esta vasta llanura, las cabañas de los afar, construidas con barro y ramas, parecen un espejismo. Estos nómadas, que se dedican principalmente a la cría de ovejas y a la extracción de minerales, viven en uno de los lugares más inhóspitos del planeta, con muy poca vegetación y temperaturas que pueden alcanzar los 45 grados.

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87. Qué es la relación de aspecto en fotografía

Hoy explicamos qué es la relación de aspecto en fotografía y Sandra nos acerca el trabajo del fotógrafo David Guttenfelder.

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A QUÉ LLAMAMOS RELACIÓN DE ASPECTO
Simplificando la descripción, la relación de aspecto es la proporción entre el ancho y el alto de una imagen. Normalmente, el sensor de nuestras cámaras suele tener una relación de aspecto de 3:2 o 4:3, como las cámaras con sensor micro 4/3, la mayoría de cámaras compactas y las cámaras de varios modelos de drones.
A la hora de nombrar las proporciones, siempre se utiliza el extremo más ancho en primer lugar.
Voy a intentar explicarlo de manera gráfica: cuando hablamos de una imagen con proporción 3 a 2, sabemos que estamos hablando de una imagen rectangular, cuyo extremo más ancho corresponde a la base y se divide en 3 partes iguales y el extremo vertical, que es el más corto, se divide en 2 partes iguales.
¿ES IMPORTANTE LA RELACIÓN DE ASPECTO EN FOTOGRAFÍA DE PAISAJE?
Si estamos fotografiando paisajes, la relación de aspecto puede afectar el equilibrio visual de los diferentes elementos incluidos en nuestras fotografías.
Se dice, que una de las razones por las que la mayoría de los paisajes se fotografían en horizontal con proporción 3:2 es porque es más fácil usar la regla de los tercios para componer una imagen horizontal.
Si usamos la regla de los tercios para hacer una fotografía de paisaje con orientación vertical y una relación de aspecto de 3:2, es probable que nuestra imagen tenga demasiado cielo o muy poco cielo, según cómo ajustemos la línea superior de los tercios con respecto al horizonte.
Con esto ¿quiero decir que deberíamos cambiar al formato de imagen a otro diferente (como el 4:3) para componer nuestras fotografías de paisaje en orientación vertical? No necesariamente, pero es importante tener en cuenta esta limitación a la hora de encuadrar la imagen, porque a lo mejor, acabamos recortando la relación de aspecto a 4:3 en el posprocesado.
En fotografías con proporción 3:2 es más difícil conseguir buenos resultados con un gran angular para incluir un primer plano con mucha presencia y reforzar una gran profundidad en la escena.
¿CUÁL ES LA MEJOR RELACIÓN DE ASPECTO PARA FOTOGRAFÍA DE PAISAJE?
Depende. Si, ya sé que es una respuesta muy vaga pero es que cada escena puede sugerirnos una relación de aspecto diferente y no hay una regla fija.
No hay un formato ideal para un tipo de fotografía concreta y no todos los formatos funcionan con todos los temas. Nuestra habilidad como fotógrafos estará en saber elegir la relación de aspecto más apropiado para nuestras fotos.
Como decía antes, se trata de analizar la escena y ver qué proporción encaja mejor en cada caso. Diría que la mejor relación de aspecto es la que complementa la composición y enfatiza los diferentes sujetos incluidos en la escena.
A la hora de elegir la relación de aspecto o proporción, debemos tener en cuenta 3 puntos:
La ubicación de los sujetos dentro del encuadre.
Las distancias y espacio entre ellos.
La forma de la escena.
ENLACES DE INTERÉS
Episodio 86, Recortar nuestras fotografías puede mejorar el resultado final.
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En este episodio Sandra nos presenta el trabajo del fotógrafo David Guttenfelder.
Nombre: David Guttenfelder
Página web: http://www.davidguttenfelder.com
Instagram: https://www.instagram.com/dguttenfelder
Otras redes: https://twitter.com/dguttenfelder, https://www.facebook.com/DavidGuttenfelderPhotography
¿Por qué destaca?
David Guttenfelder (1969, Iowa, EE. UU.) es un fotógrafo de National Geographic desde 2015, cuyo trabajo se centra en los conflictos geopolíticos, la conservación y la cultura. Es uno de los fotoperiodistas más influyentes del mundo: muestra de ello son sus ocho premios World Press Photo, sus siete veces como finalista del premio Pulitzer y sus 1,2 millones de seguidores en Instagram.
De pequeño, David pasaba los veranos con sus abuelos. Solía viajar con su abuelo, auditor de seguros, y le hacía fotos con una vieja Polaroid. Aunque en su juventud nunca se le pasó por la cabeza la idea de convertirse en fotógrafo.
Creció en una zona rural de Iowa (EE. UU.) por lo que nunca tuvo la oportunidad de conocer a ningún fotógrafo profesional ni a gente que viajara. En realidad, no fue hasta su época de estudiante de intercambio en la Universidad de Dar es Salaam (Tanzania) para estudiar swahili cuando empezó a tomarse la fotografía más en serio. Cuando volvió a Iowa a terminar sus estudios universitarios, consiguió un trabajo en el periódico de la universidad.
A partir de ahí, David se dió cuenta de que “quería ver el mundo, así que la fotografía fue, al menos al principio, un motivo para viajar y vivir experiencias. La fotografía no sólo me permitía estar en la primera fila del partido de fútbol, sino que me daba una razón para entrar en la vida de cualquier persona e ir a cualquier sitio. Eso fue lo que creo que más me gustó del periodismo, que era un pasaporte a la vida de otras personas y a otros mundos.»
David trabajó durante veinte años (1994-2014) como fotoperiodista para Associated Press en sus oficinas de Nairobi, Abiyán, Nueva Delhi y Tokio desde las que cubrió noticias en casi 100 países de todo el mundo. Todo empezó cuando vio imágenes en televisión del conflicto en Ruanda que mostraban a cientos de refugiados huyendo y cruzando la frontera con Tanzania. Dejó su trabajo en el Iowa City Press-Citizen, se compró el primer billete de avión y se fue con lo poco que había ahorrado. Pronto le siguieron encargos de AP y The New York Times, y luego un contrato con AP. Desde entonces se ha forjado una reputación por cubrir países que no suelen ser explorados por los extranjeros.
Acabó pasando el resto de sus 20 años en África, yendo de un conflicto a otro: Sierra Leona, Liberia, Zaire, Somalia. Luego lo mandaron a Kosovo, y a Israel y Gaza. Tras los atentados del 11 de septiembre de 2001 pasó su década de los 30 años cubriendo las guerras de Irak, Afganistán y Gaza.
Entre medias, en 2000, empezó su larga relación fotográfica con Corea del Norte. Era el final del gobierno de Bill Clinton y la Secretaria de Estado (equivalente a Ministra de Exteriores en España) Madeleine Albright iba a hacer un viaje oficial. David era el encargado de hacer las fotos y se dio cuenta de lo visualmente interesante que era el país. Al estar tan aislado del resto del mundo, David sabía que si se comprometía y era lo suficientemente tenaz, si seguía volviendo allí, podría hacer algo que mereciese la pena.
A lo largo de 10 años, viajó unas 6 veces a Corea del Norte aunque su gran oportunidad llegó en 2011, cuando AP consiguió la aprobación para abrir una oficina en Pyongyang. David se convirtió en el único fotógrafo occidental con acceso a Corea del Norte: desde principios de 2012 hasta que dejó AP a mediados de 2014, David viajaba casi una vez al mes. En total, unos 40 viajes que le permitieron conocer y fotografiar el país como nunca nadie había hecho antes.
Posteriormente, David Guttenfelder se obsesionó con otro país: Cuba. La primera vez que visitó el país fue en el marco de un encargo de National Geographic al final de la administración Obama, cuando las relaciones entre Estados Unidos y Cuba se estaban retomando. En esa ocasión, David viajó a bordo del primer crucero de EE. UU. a Cuba en 50 años, que zarpó de Miami y paró en varias ciudades cubanas. La idea era que David fotografiase Cuba desde la perspectiva de alguien que trabaja en sociedades relativamente cerradas y que mirara a Cuba con la misma visión con la que miraba a Corea del Norte y otros lugares a los que había viajado.
Tras ese crucero David volvió muchas veces a Cuba, incluido un viaje de cuatro días por el país siguiendo el cortejo fúnebre de Fidel Castro desde La Habana hasta Santiago.
David confiesa que «De alguna manera me he convertido en el tipo que va a lugares que otras personas no pueden o no quieren».

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86. Recortar nuestras fotografías puede mejorar el resultado final

Hoy vemos cómo recortar nuestras fotografías puede mejorar el resultado final y Sandra nos acerca el trabajo del fotógrafo David Burdeny.

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RECORTAR NUESTRAS FOTOGRAFÍAS PUEDE MEJORAR EL RESULTADO FINAL
FORMAS DE RECORTAR
Antes de nada, me gustaría comentar que el recorte no es algo malo. Yo lo considero una parte del proceso creativo. Una herramienta muy potente que no solo sirve para modificar el tamaño de una imagen, sino que nos permite eliminar elementos no deseados y nos puede ayudar a mejorar la composición de una escena.
En mi proceso creativo utilizo 2 formas de recortar:
De la primera, hablamos en el episodio 34 Cómo usar teleobjetivos en Fotografía de Paisaje.
De la segunda, hablamos hoy y se trata del recorte durante el procesado de imágenes.
A mi me gusta hacer todo lo que puedo en el campo, pero es cierto, que para determinadas fotos, no quiero ser esclavo de la relación de aspecto que marca mi cámara (relación 3:2) así que tengo que recurrir a cambiar ese aspecto en el post procesado.
También puede suceder algo inesperado. Hemos captado el instante pero la composición no ha sido la mejor. Ha sido un momento fugaz en el que no hemos tenido tiempo de componer adecuadamente. En ese caso, el recorte nos puede ayudar.
La herramienta de recorte forma parte de los primeros pasos en mi flujo de trabajo. Lo hago antes de aplicar cualquier ajuste de exposición, rescate de luces y sombras, etc., porque es algo que afecta directamente al histograma de una imagen. Si hay una zona muy luminosa o muy oscura y la elimino, recortándola, la curva del histograma varía.
ALGUNOS CONSEJOS SOBRE RECORTE DE IMÁGENES
Usa el recorte para destacar el sujeto. A veces metemos demasiadas cosas en nuestro encuadre y al ver la foto con tranquilidad, nos damos cuenta de que un recorte ayuda a darle más fuerza a un elemento determinado o a simplificar la composición.
Usando el recorte puedes dirigir la mirada del espectador hacia una parte concreta de la imagen.
Ten cuidado con la distorsión al usar objetivos angulares. Dependiendo de la escena, es posible que tengas que hacer correcciones de perspectiva y probablemente tengas que recortar la imagen.
Relación de aspecto y proporción del sensor. Siempre utilizo la proporción que capte el mayor número de píxeles y si fuera necesario, ya recortaré después. Por ejemplo, en las fotos que hago con el dron, siempre hago la captura con su relación de aspecto nativa que es 4:3 y después, recorto según mis necesidades. En el caso de que haga una captura con la relación 16:9, pierdo información que nunca podré recuperar. Sobre la relación de aspecto hablaremos largo y tendido en otro episodio.
Lo que no recomiendo es acostumbrarse siempre a recortar para mejorar la composición. Si haces eso, claramente estás fallando en el trabajo de campo.
Puede ser interesante recortar imágenes a un formato único para una serie o una exposición. Imagina que tienes fotos cuadradas, rectangulares, etc. y con diferentes tamaños. Es probable que el espectador se despiste con formatos variados y que le llamen la atención determinadas obras en función del formato y tamaño elegido.
Recorte de fotografías para imprimirlas. A la hora de imprimir imágenes y dependiendo de dónde lo hagas, es probable que tengas formatos cerrados y tengas que imprimirlas con esos formatos.
A veces captamos momentos fugaces, como ya decíamos antes, y es probable que lo hagamos con la cámara en posición horizontal. El recorte puede ayudarnos a mejorar la composición convirtiendo esa imagen horizontal en vertical.
El recorte puede ayudar a mostrar una perspectiva diferente, acercando el sujeto y dándole mucho más protagonismo.
Con el recorte podemos eliminar distracciones.
Ten en cuenta que el recorte reduce la resolución del archivo.
ENLACES DE INTERÉS
Episodio 34,  Cómo usar teleobjetivos en Fotografía de Paisaje.
Roy Fox Lichtenstein (Nueva York, 27 de octubre de 1923, 29 de septiembre de 1997) fue un pintor estadounidense de arte pop, artista gráfico y escultor, conocido sobre todo por sus interpretaciones a gran escala del arte del cómic.
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MI EQUIPO FOTOGRÁFICO
Te dejo la lista con el equipo que utilizo en mis salidas fotográficas.
FOTÓGRAFO DESTACADO
En este episodio Sandra nos presenta el trabajo del fotógrafo David Burdeny.
Nombre: David Burdeny
Página web: https://www.davidburdeny.com
Instagram: https://www.instagram.com/david_burdeny
¿Por qué destaca?
El fotógrafo canadiense David Burdeny viaja por todo el mundo para crear imágenes impactantes.
David tiene una licenciatura en diseño de interiores y un posgrado en arquitectura. Estudió durante 8 años y ejerció durante otros 10 antes de dedicarse a la fotografía a tiempo completo, pero empezó a hacer fotografías con 12 o 13 años. En lugar de jugar al hockey, se dedicaba a hacer fotografías. Aprendió a revelar sus propios negativos tras un cuarto oscuro en su casa. Durante casi toda su infancia y edad adulta fue una afición, hasta que en 2006 se convirtió en algo más serio.
Desde que se lanzó al mundo de la fotografía profesional, ha fotografiado lugares en los siete continentes, desde arrozales y vestigios del colonialismo hasta opulentos interiores de palacios.
Sin embargo, el trabajo de David no es estrictamente una documentación de estas expediciones: sus fotografías ofrecen una perspectiva reflexiva sobre la forma en que experimentamos y conmemoramos ciertos espacios y estructuras. Utilizando largas exposiciones y paletas de color suavizadas, capta su entorno con una calidad meditativa y un nivel de detalle espectacular.
Lógicamente su formación influye en su fotografía de forma subconsciente. Su estilo fotográfico refleja una estética muy particular a la hora de ver cosas tridimensionales y cómo las traduce a un soporte bidimensional. David se centra en las líneas y las proporciones y en poner orden en el caos que hay. Desmenuza escenas complejas y extrae todo lo que pueda para centrarse en la esencia.
Otra de las características del estilo de David es su particular forma de tratar el color. Gracias a ello, transmite al espectador que lo que está viendo es una fotografía entendida como una ventana al mundo o un espejo. De esta forma David utiliza muchísima resolución y detalle para mostrar lo que hay. Posteriormente rebaja el color para recordar al espectador que está viendo una versión abstracta de la realidad. No intenta fotocopiar lo que hay, sino compartir su propia interpretación de los colores o su recuerdo de ellos. En su caso, siempre están un poco difuminados porque considera que nuestros recuerdos se desvanecen con el tiempo. Así son un poco más ambiguos.
Y un último aspecto que merece la pena destacar es su eclecticismo: David reconoce que cuando se adentra en un proyecto lo hace en cuerpo y alma, hasta llegar a las últimas consecuencias… Hasta que considera que ese proyecto se ha terminado, se aburre o termina cansado de él. En ese instante lo abandona por completo y pasa al siguiente proyecto, en el que se involucra al 100%.
Por poner algunos ejemplos de esos proyectos, merece la pena mencionar “North/South”. La serie refleja paisajes en los que consigue capturar una atmósfera de paz y serenidad realizando por un lado largas exposiciones, en blanco y negro. Y por otro lado, su serie en color es un viaje a las escalofriantes bellezas del Ártico y el Antártico (fundamentalmente Groenlandia y la Antártida).
Otro es “A Bright Future” que surgió tras visitar Rusia. David se enamoró de la solidaridad rusa, descubrió un sol subterráneo en un metro y vio una extensión simbólica y narrativa de la historia y la política rusas en los espacios de las estaciones de metro, el teatro y las salas de los museos. El nombre de esta su serie, «Un futuro brillante», creada en Moscú y San Petersburgo, recuerda que la directiva de diseño de Stalin era hacer que el concepto de «un futuro brillante» fuera parte integral de la estética de los Metros.
Por último, en “Salt” David utiliza la fotografía aérea para explorar algunas de las salinas más alucinantes del mundo en Utah (EE. UU.), México y Australia. Viendo las imágenes es difícil determinar si las parcelas de color son el resultado de la magia de la cámara o de la naturaleza. Gracias al uso de formas amorfas, campos de color alargados y líneas verticales, dentadas y sinuosas, las fotos de David sugieren la expresividad pictórica de pintores expresionistas abstractos como Rothko, Still, Newman, Diebenkorn o De Kooning. Gracias a la reordenación abstracta del paisaje cada composición fotográfica se puede leer de forma completamente subjetiva.

Muchas gracias y volvemos en 15 días con un nuevo episodio de Distancia Hiperfocal. ¡¡Un saludo y hasta pronto!!
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85. Salir de la zona de confort puede ayudarte a mejorar tu fotografía

Salir de la zona de confort puede ayudarte a mejorar tu fotografía. Además, Sandra nos habla del fotógrafo Michele Palazzo.

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SALIR DE LA ZONA DE CONFORT PUEDE AYUDARTE A MEJORAR TU FOTOGRAFÍA
Antes de empezar, creo que es importante establecer ciertos parámetros para identificar a qué nos referimos cuando hablamos de zona de confort.
Podemos decir que la zona de confort, es esa zona segura donde nos sentimos a gusto. Y no me refiero solo a localizaciones que conocemos y visitamos sin arriesgarnos a buscar nuevas composiciones. Hablo de costumbres y hábitos, como el uso de las mismas distancias focales, mismos filtros, etc. Situaciones en las que no hacemos nada que se salga de nuestra rutina. Permanecemos acomodados con una serie de conocimientos y técnicas que hemos aprendido y nos quedamos ahí, sin arriesgar, sin ir más allá.
Mantener esta actitud cómoda no es algo malo, pero casi con toda probabilidad nos llevará a conseguir resultados similares y con pocas sorpresas. No vamos a exigirnos más y eso puede provocar un estancamiento o incluso una crisis creativa (un tema que tratamos en el anterior episodio del podcast) porque podemos acabar por aburrirnos al obtener resultados muy similares.
Por lo tanto, debemos tener presente algo importante: para conseguir resultados diferentes, debemos arriesgar y hacer cosas diferentes.
Es evidente que si queremos hacer cosas a las que no estamos habituados vamos a tener dudas y posiblemente cometamos errores. Pero ese proceso es parte del aprendizaje continuo y de nuestro crecimiento como fotógrafos. Cambiar de rutina nos provocará inseguridad (sobre todo al principio), pero llegará un momento en el que nos sintamos de nuevo a gusto, con lo que habremos conseguido ampliar nuestra zona de confort.
ALGUNOS CONSEJOS
¿CÓMO SABER SI ESTÁS ACOMODADO EN TU ZONA DE CONFORT? Aprovecha para revisar y analizar tus trabajos fotográficos.
SAL DE LA RUTINA. Intenta hacer cosas nuevas.
EXPERIMENTA. La familiaridad puede obstaculizar la creatividad.
BUSCA PERSPECTIVAS NUEVAS. Es una forma de refrescar los resultados obtenidos.
FOTOGRAFÍA CON CALMA. Tómate tu tiempo para fotografiar sin presión.
PRUEBA NUEVAS DISCIPLINAS. Si tus fotos te resultan aburridas, puede que sea el momento de adentrarte en una etapa nueva.
CAMBIA TUS COSTUMBRES. Cuando salgas a fotografiar, dedica un tiempo a probar cosas completamente diferentes a las que haces normalmente.
CUIDADO CON LAS CONDICIONES EN LAS QUE FOTOGRAFÍAS. Imagina que sales y haces 5 sesiones con una luz aburrida, plana y poco efectiva. Cuando revises esas fotos, probablemente no te guste ninguna y eso acabe haciendo mella y provocarte una pérdida de interés. En esos casos, tómate un descanso o simplemente, sal pero deja pasar un tiempo hasta revisar las fotos.
ENLACES DE INTERÉS
Episodio 84,  Cómo gestionamos la falta de motivación fotográfica.
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FOTÓGRAFO DESTACADO
En este episodio Sandra nos presenta el trabajo del fotógrafo Michele Palazzo.
Nombre: Michele Palazzo
Página web: https://www.streetfauna.com
Instagram: https://instagram.com/streetfauna
Otras redes: https://www.facebook.com/streetfauna, https://www.eyeem.com/u/streetfauna, https://500px.com/p/michelepalazzo
¿Por qué destaca?
Michele Palazzo es arquitecto de formación (estudió arquitectura en la universidad de Venecia) y fotógrafo por afición. Empezó a hacer fotos cuando estaba en el instituto en Ravenna (Italia). Durante sus estudios superiores su interés principal eran los edificios, la geometría, las luces y las sombras.
Desde entonces, la fotografía se ha convertido en una parte esencial de su vida aunque sus intereses y su estilo han ido evolucionando con el tiempo. Michele considera que la arquitectura, el diseño y la fotografía tienen algo en común: además de los componentes visuales y creativos, todos se relacionan con el ser humano de forma tácita y subliminal.
Tras montar una agencia de diseño web en Bolonia (Italia), en 2012 decide mudarse a Nueva York (EE. UU.), donde trabaja como Director de Diseño de Experiencia de Usuario/Interfaz de Usuario desde entonces.
Sus fotos, en las que destacan la peculiar arquitectura de la ciudad y sus escenas cotidianas, cobraron gran protagonismo durante la tormenta Jonas en el invierno de 2016. Y muy especialmente su imagen “El Flatiron en la tormenta” que se hizo viral y le llevó a ganar en 2016 el Travel Photographer of the Year en el apartado de “Ciudades: Arquitectura”. A raíz de este éxito, el trabajo de Michele ganó visibilidad y, sobre todo, le permitió que su obra se expusiera en más galerías o se vendiesen impresiones.
Aunque su formación y principal disciplina es la fotografía de arquitectura, su objetivo es combinar la arquitectura y la calle. La idea es que su estilo combine la arquitectura con la naturaleza, el clima y la dimensión humana. De esta forma sus imágenes muestran cómo interactuamos con los espacios y cómo el clima cambia esa percepción.
«Me gusta observar a la gente y viajar con mi imaginación en sus vidas. Mis fotos están vinculadas a las personas y su entorno, sus movimientos y emociones, me interesan esas pequeñas peculiaridades que nos conectan como humanos. Ese tipo de cosas cotidianas son las que quiero documentar, y poco a poco se ha ido convirtiendo en una rutina diaria para mí. Hace que el mundo sea un poco más cercano, especialmente en Nueva York.”
Sus fotos no se centran necesariamente en la belleza, sino más bien en la caza de personas en esta «jungla de cemento». Le gustan los contrastes fuertes, las situaciones cómicas y los rostros interesantes, y esto se refleja en su estilo: sus imágenes suelen ser de alto contraste y tratan de transmitir una intimidad única.
Pero el trabajo fotográfico de Michele no se limita exclusivamente a Nueva York. Durante sus viajes a China, Cuba, Noruega, Islandia, Sudáfrica y, por supuesto, Italia (Sicilia, Pianura Padana, Matera) y EE. UU. las fotos reflejan que Michele mantiene un estilo propio y una temática similar aunque cambien los escenarios.
Esas fotos muestran sus rasgos característicos como fotógrafo: su pasión por la arquitectura y por la calle, su intención de incluir la figura humana en sus composiciones, su atracción por los colores saturados y los fuertes contrastes (sombras y luces muy pronunciadas) y una constante voluntad por transmitir movimiento.
Por último, cabe destacar la capacidad de Michele a la hora de contar historias con sus imágenes. La frescura, cotidianeidad y cercanía que transmiten consiguen que el espectador sea partícipe de lo que ocurre en la escena y que se plantee algunas preguntas.

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